Mẹo Bức ảnh đầu tiên trên thế giới được Viện hạn làm khoa học Pháp công nhận ngày 19 8 1839 có t

Mẹo Hướng dẫn Bức ảnh thứ nhất trên toàn thế giới được Viện hạn làm khoa học Pháp công nhận ngày 19 8 1839 mang tên là Chi Tiết

Ban đang tìm kiếm từ khóa Bức ảnh thứ nhất trên toàn thế giới được Viện hạn làm khoa học Pháp công nhận ngày 19 8 1839 mang tên là được Update vào lúc : 2022-05-16 11:48:23 . Với phương châm chia sẻ Bí kíp Hướng dẫn trong nội dung bài viết một cách Chi Tiết 2022. Nếu sau khi đọc nội dung bài viết vẫn ko hiểu thì hoàn toàn có thể lại phản hồi ở cuối bài để Tác giả lý giải và hướng dẫn lại nha.

Nhiếp ảnh Ra đời
vào thời điểm đầu thế kỷ 19, và chỉ với sau gần 200 năm lịch sử, nó đang trở thành một công cụ
cực kỳ phổ cập với con người ngày này. Không chỉ tự chứng tỏ được kĩ năng
sáng tạo riêng không liên quan gì đến nhau và không hạn chế của tớ riêng với những người dân tiêu dùng công
cụ này một cách chuyên nghiệp, nhiếp ảnh đã trở nên quen thuộc tới mức gần như thể
ai cũng biết và sử dụng mỗi ngày, bởi ai cũng sở hữu một chiếc smartphone thông
minh hoàn toàn có thể dùng chụp hình.

Nội dung chính

Chỉ trong năm
2022 đã có hơn 1,4 nghìn tỷ tấm hình được tạo ra. Qua vỏn vẹn gần 200 năm hình
thành và tăng trưởng, những kỹ thuật của nhiếp ảnh đã tiến bộ với vận tốc cực
nhanh. Từ những quy trình quang hoá và máy móc thủ công tương đối phức tạp ban
đầu, toàn bộ chúng ta đã có những thiết bị điện tử nhỏ gọn và hoàn toàn tiện lợi cho tất
cả mọi người.

Tuy nhiên, ngay từ
lúc nhiếp ảnh Ra đời thì đây đã là một ý tưởng sáng tạo chấn động châu Âu nói chung và
toàn bộ toàn thế giới nói riêng. Không chỉ mở ra một kĩ năng tái tạo tự nhiên một
cách khách quan, nhiếp ảnh còn cho con người thấy những hình ảnh qua ống kính tức
là không tự nhìn thấy được bằng mắt người, cho toàn bộ chúng ta nhìn thấy toàn thế giới theo
(những) cách khác hoàn toàn. Nhiếp ảnh thay đổi nhận thức của con người về toàn thế giới.
Bên cạnh đó, những kỹ thuật của nhiếp ảnh được vận dụng trong nhiều quy trình ở
những nghành khác cho tới tận ngày này và tương lai.

Nhiếp ảnh Ra đời
đã thay đổi hoàn toàn Nghệ thuật và Thiết kế đồ hoạ, và hơn thế nữa.

Sự
Ra đời và định nghĩa của Nhiếp ảnh

Lịch
sử hình thành của Nhiếp ảnh

Nhiếp ảnh đã Ra đời
trong toàn cảnh của cuộc Cách mạng Công nghiệp, hay còn gọi là Cách mạng Công
Nghiệp lần thứ nhất, thường được cho là trình làng trong mức chừng 1760 đến 1820 hoặc
1840 và khởi xướng từ nước Anh. Ngay tiếp theo đó, ngay từ khoảng chừng 1850 và tiếp nối tới
thời điểm đầu thế kỷ 20 khi Thế chiến I nổ ra, là cuộc Cách mạng Công nghiệp lần thứ hai.

Cuộc Cách mạng Công nghiệp lần thứ nhất đã mang tới những biến chuyển cực kỳ to lớn cho toàn thế giới phương Tây nói riêng và toàn bộ quả đât nói chung: quy đổi từ sản xuất thủ công sang máy móc hàng loạt, những quy trình sản xuất chất hoá học và sắt mới Ra đời, ngày càng tăng sử dụng động cơ hơi nước và sức nước, những công cụ máy móc tăng trưởng và những khối mạng lưới hệ thống xưởng sản xuất công nghiệp sử dụng máy móc trỗi dậy… Cuộc Cách mạng Công nghiệp lần thứ hai được ghi lại bằng sự tăng trưởng của sản xuất thép, tăng trưởng điện tín, điện thoại, và tiếp tục tăng trưởng những khối mạng lưới hệ thống đường tàu, tàu biển…, cho tới thời gian cuối thế kỷ 19 là động cơ đốt trong và máy móc chạy điện.

Một hình ảnh từ cuộc Đại Triển lãm (The Great Exhibition) trình làng từ thời điểm tháng 5 đến tháng 10 năm 1851 tại Hyde Park, London, nước Anh. Đó là hội chợ quốc tế thứ nhất trên toàn thế giới, là niềm tự hào của Anh Quốc, thể hiện sự tăng trưởng rực rỡ của vương quốc này trong thời kỳ Cách mạng Công nghiệp. Tên khá đầy đủ của hội chợ là Đại Triển lãm những Sản phẩm Công nghiệp của mọi Quốc gia (Great Exhibition of the Works of Industry of All Nations), với mức chừng 100,000 dụng cụ tới từ hơn 15,000 cty triển lãm.

Như vậy, hoàn toàn có thể
nói công cụ Nhiếp ảnh là một phần của Cách mạng Công nghiệp, dù ban đầu quá
trình này còn mang tính chất chất thủ công rất cao. Kế thừa tinh thần khoa học và lý trí
của Kỷ Khai sáng trình làng vào thế kỷ 17 và 18, mà cũng là phần tiếp theo của
Cách mạng Khoa học từ thế kỷ 15, giữa sự bùng nổ của tăng trưởng công nghệ tiên tiến và phát triển cuối
thế kỷ 18, thời điểm đầu thế kỷ 19, hình ảnh nhiếp ảnh thứ nhất đã được tạo ra bởi Joseph
Niépce (1765 – 1833) vào năm 1822.

Niépce là một Chuyên Viên in thạch bản sản xuất những hình ảnh tôn giáo phổ cập. Do vậy, ông đã tìm tòi cách mới để lấy hình vẽ lên đĩa in và một cách mang tính chất chất tự động hóa hoá chứ không qua chủ quan của bàn tay người thợ. Đầu tiên, ông phủ một lớp nhựa nhạy sáng được gọi là ‘bitum của Judea’ hay nhựa Syria lên một tấm làm bằng sắt kẽm kim loại tổng hợp chì và thiếc. Lớp nhựa này sẽ cứng lại khi được phơi dưới ánh sáng. Sau đó, ông “in” trực tiếp một bản vẽ tay, đã được bôi dầu để làm cho trong suốt, lên tấm nói trên với nắng mặt trời.

Khi đã phơi sáng xong, Niépce rửa đĩa sắt kẽm kim loại bằng dầu hoa oải hương để vô hiệu những phần không biến thành cứng lại bởi ánh sáng (những phần được che đi bởi những nét vẽ trên bản vẽ), và tiếp theo đó tiếp tục khắc nó bằng a-xít tạo thành đĩa in chìm (intaglio) là bản sao khắc của bản vẽ là bản gốc. Niépce gọi ý tưởng sáng tạo này của tớ là heliogravure (khắc bằng mặt trời).

Chân dung Georges d’Amboise (1826) do Niépce làm từ bản in gốc có từ thời điểm năm 1650. Đây là bản in heliogravure tốt nhất còn tồn tại của ông.

Tới năm 1826, Niépce tiếp tục mày mò ý tưởng sáng tạo của tớ bằng phương pháp đặt một tấm sắt kẽm kim loại tổng hợp chì và thiết lên mặt trong phía sau của camera obscura và hướng nó ra ngoài hiên chạy cửa số. Camera obscura có nghĩa đen trong tiếng Latin là phòng (camera) tối (obscura), là cả căn phòng hoặc cái hộp kín mà một đầu có một lỗ nhỏ hoặc về sau là ống kính nhỏ. Khi ánh sáng trải qua lỗ hay ống kính đó, ta sẽ có được một ảnh thật (ngược chiều) được chiếu lên mặt kia của phòng hay hộp. Việc Niépce đặt một tấm quét chất nhạy sáng lên mặt đó của camera obscura giúp bắt lại hình ảnh, rõ ràng là một hình ảnh mờ mờ của những ngôi nhà phía bên phía ngoài hiên chạy cửa số phòng thao tác của ông, sau một ngày phơi sáng và rửa với dầu oải hương.

Hình ảnh minh hoạ một phòng camera obscura nơi nghệ sĩ đang vẽ đè lên hình phản chiếu ngược chiều của vạn vật thiên nhiên lên mặt tường bên trong phòng. Bảo tàng Nghệ thuật Philadelphia, lối vào phía Đông ở phòng trưng bày #171 với một bức tranh của de Chirico (The Philadelphia Museum of Art, East Entrance in Gallery #171 with a de Chirico Painting) (2006) của Aberlado Morell. Morell đã biến toàn bộ phòng trưng bày thành một camera obscura.

Bức ảnh của Niépce, tấm hình thứ nhất trên toàn thế giới chụp lại tự nhiên.

Niépce tạo ra tấm hình thứ nhất Theo phong cách mà toàn bộ chúng ta vẫn thực hiện với máy ảnh và điện thoại thông minh ngày này: bắt lại trực tiếp một hình ảnh từ tự nhiên hay môi trường tự nhiên vạn vật thiên nhiên xung quanh mà ta ‘nhìn’ thấy qua ống kính của thiết bị.

Sau đó, Louis Jacques Daguerre (1799 – 1851), cũng là một người Pháp và là một diễn viên và hoạ sĩ, tiếp cận với Niépce do cũng đang thực thi một nghiên cứu và phân tích tương tự. Họ cùng trao đổi ý tưởng với nhau cho tới khi Niépce qua đời vì đột quỵ năm 1883. Về phần mình, Daguerre đã hoàn thiện kỹ thuật nhiếp ảnh thương mại thứ nhất được đặt tên là daguerreotype vào trong ngày thứ 7/01/1839 khi ông trình làng nó với Học viện Khoa học Pháp. Ông đang trở thành một trong những cha đẻ của nhiếp ảnh, cạnh bên Niépce và William Henry Fox Talbot (1800 – 77) – nhà khoa học và nhà sáng tạo người Anh đã tạo ra kỹ thuật calotype và giấy muối (giấy phủ muối bạc clorua) cùng thời gian.

Daguerre (trái) và Talbot (phải)

Để miêu tả một cách ngắn gọn, daguerreotype cũng như kỹ thuật của Niépce được cho phép tạo ra những bản ‘in’ độc bản từ hiện thực và cũng trên tấm sắt kẽm kim loại. Tuy nhiên, Daguerre sử dụng tấm đồng mạ bạc ngâm trong dung dịch i-ốt tinh thể khiến nó trở nên nhạy sáng (bạc iốt). Tấm này sau khi phơi sáng trong máy ảnh sẽ tiến hành làm cho hiện ảnh bằng đĩa thuỷ ngân nung nóng, hơi thuỷ ngân phản ứng với bạc i-ốt đã lộ sáng và tạo thành sắt kẽm kim loại tổng hợp, rồi hãm trong bể nước muối, và trở thành ảnh thành phẩm. Chỉ trong một năm thứ nhất sau khi trình làng, nửa triệu tấm daguerreotype đã được làm ở Paris, hầu hết là để sở hữu thể chụp chân dung.

Các tấm ảnh sắt kẽm kim loại daguerreotype

Còn về phần của
Talbot, ông đã khởi đầu với giấy thay cho sắt kẽm kim loại, và ngâm nó trong nước muối rồi
xử lý với dung dịch bạc nitrat để tạo ra lớp bạc clorua vừa nhạy sáng vừa không
tan trong giấy. Sau đó ông đặt thẳng những vật thể như lá cây hay miếng vải ren lên
trên giấy tờ và phơi sáng. Các vật thể này sẽ che toàn bộ hoặc một phần ánh sáng
xuyên qua, cùng với những phần không được che phủ hoàn toàn, sẽ tạo ra hình ảnh
trên giấy tờ – quy trình này sau được gọi là quang đồ (photogram) vào thời điểm đầu thế kỷ 20. Ông cũng là người thứ nhất không riêng gì có
tạo ra âm bản của hình ảnh mà tiếp tục in thành dương bản trên một tờ giấy muối
khác, và hoàn toàn có thể tạo ra nhiều bản in dương bản.

Talbot tiếp tục thí nghiệm với việc đặt giấy muối bạc vào máy ảnh và tạo ra hình ảnh từ vạn vật thiên nhiên, cũng như tối ưu những chất hoá học sử dụng. Cuối cùng khi ông hoàn thiện toàn bộ quy trình này, ông đặt tên cho nó là calotype (từ tiếng Hy Lạp kalos typos, tức là “ấn tượng đẹp tươi” hay “hình in đẹp tươi”).

Một quang đồ của Talbot

Trong những thử nghiệm ban đầu, Talbot đã tạo ra thật nhiều quang đồ của cây cối, lá, và hoa. Bên trái là bản in âm bản và bên phải là bản in dương bản của hình ảnh. Một bản in giấy muối từ calotype chụp lại những người dân bán hoa quả trong vườn, nước Anh, 1844

Hình ảnh từ calotype do là trên giấy tờ nên hoàn toàn
không thể nét bằng hình ảnh trên sắt kẽm kim loại của daguerreotype, tuy nhiên quy trình này đã tạo tiền đề cho quy trình
cơ bản của nhiếp ảnh: chụp hình (âm bản) và in ảnh (dương bản).

Ngài John Frederick William Herschel (1792 – 71), nhà thiên văn và hoá học người Anh, là người thứ nhất sử dụng natri thiosulfat để hãm hay ngừng hoàn toàn quy trình tác động của ánh sáng trên giấy tờ ảnh – một quy trình được cả Daguerre và Talbot vận dụng. Ông này cũng là người nêu lên khái niệm âm bản (negative) và dương bản (positive), cũng như chính khái niệm photography ban đầu dùng để gọi ý tưởng sáng tạo của Talbot – khái niệm được sử dụng chung cho nhiếp ảnh ngày này.

Chân dung của Ngài John F. W. Herschel do Julia Margaret Cameron thực thi. Đây là một tác phẩm thuộc trào lưu Nhiếp ảnh Như hoạ và Cameron là một trong những nghệ sĩ quan trọng nhất của trào lưu.

Khái niệm Nhiếp ảnh

“Nhiếp ảnh”
là một từ Hán Việt nghĩa là “bắt lại hình ảnh”, nhưng Photography xuất phát từ tiếng Hy Lạp – photos graphos – nghĩa là vẽ lại hay ghi lại ánh sáng, xuất phát
từ bản chất hoá học và vật lý ban đầu của quy trình là một mặt phẳng quét chất nhạy
sáng được phơi dưới nắng mặt trời để ánh sáng chiếu vào nó, và do đó hình ảnh
được tạo ra nhờ quy trình trình làng phản ứng và không phản ứng hoá học trên những
phần rất khác nhau của mặt phẳng này.

Như vậy, một tác phẩm nhiếp ảnh hoàn toàn có thể được tạo ra mà hoàn toàn không cần đến máy ảnh. Phát minh ban đầu của Niépce chia phần có hình ảnh và không còn hình ảnh bằng một tấm tranh vẽ được xử lý thành trong suốt – đó đó là thể ban đầu của một tấm phim, và Talbot đã đặt thẳng vật thể lên trên tờ giấy nhạy sáng của tớ để chặn ánh sáng.

Việc sử dụng máy ảnh hay đúng bản chất ban đầu của nó là một phòng hay hộp tối có đục lỗ kim hay gắn ống kính ở một mặt là để bắt lại ảnh thật của vạn vật thiên nhiên. Nhiếp ảnh từ đó tăng trưởng như một kỹ thuật mới để sao chép lại vạn vật thiên nhiên một cách khách quan nhờ máy móc và phản ứng hoá học, không qua chủ quan của một hoạ sĩ.

Quang vật dụng kỹ thuật in cyanotype của Anna Atkins trong cuốn sách nhiếp ảnh thứ nhất trên toàn thế giới – Những tấm hình về tảo Anh: Những ấn tượng bằng cyanotype (Photographs of British Algae: Cyanotype Impressions) xuất bản năm 1843. Cyanotype cũng là một ý tưởng sáng tạo của Ngài John F. W. Herschel

Rất nhanh gọn
sau những bước phát kiến thứ nhất của Niépce, Daguerre, và Talbot, những người dân
thao tác trong những nghành sáng tạo thị giác rất khác nhau như hội hoạ, in ấn, đồ
họa thương mại… cũng như những nhà ý tưởng sáng tạo, nhà khoa học… đã tiếp nhận chúng để
vận dụng và tăng trưởng. Các chất hoá học và những công nghệ tiên tiến và phát triển máy móc liên quan được
nghiên cứu và phân tích và thử nghiệm để tối ưu công cụ nhiếp ảnh, những lối tiếp cận khi vận dụng
nhiếp ảnh vào sáng tạo thành phẩm được triển khai… tạo ra những chuyển biến lớn
trong nhiều nghành rất khác nhau và cũng khiến chính nhiếp ảnh nhanh gọn trở
thành một ngôn từ sáng tạo độc lập và khác lạ.

Trải qua gần 200
năm tăng trưởng, thiết bị chụp hình ngày này hầu hết là kỹ thuật số, tức là sử dụng
cảm ứng (sensor) hoàn toàn có thể chuyển
đổi ánh sáng thành những tín hiệu kỹ thuật số và xử lý chúng thành hình ảnh trên
màn hình hiển thị điện tử. Các thiết bị máy móc dùng phim cồng kềnh được thay thế bởi
những thiết bị điện tử nhỏ gọn trong một chiếc smartphone di động cũng chỉ nằm vừa
lòng bàn tay. Người thực hành thực tiễn nhiếp ảnh lập tức xem được hình ảnh được chụp lại
bởi thiết bị mà tránh việc phải trải qua những quy trình xử lý thủ công làm hiện ảnh.

Tuy nhiên, những kỹ thuật quang hoá của nhiếp ảnh vẫn đang rất được vận dụng trong sáng tác nhiếp ảnh nghệ thuật và thẩm mỹ và làm đẹp và trong nhiều quy trình khác mà sẽ tiến hành trình làng trong những phần tiếp theo của nội dung bài viết.

Các
trào lưu ban đầu của Nhiếp ảnh Nghệ thuật

Các nghệ sĩ thị
giác thời gian cuối thế kỷ 19 và thời điểm đầu thế kỷ 20 đã có cách vận dụng nhiếp ảnh rất khác nhau vào
việc sáng tác, và đôi lúc cùng một nghệ sĩ sẽ thực hành thực tiễn theo nhiều hơn nữa một cách
tiếp cận trong suốt sự nghiệp của tớ. Ba trào lưu cũng là ba Xu thế chính của
dòng chảy nhiếp ảnh nghệ thuật và thẩm mỹ và làm đẹp khi nhiếp ảnh mới Ra đời là Nhiếp ảnh Như hoạ (Pictorialism Photography), Nhiếp ảnh Trừu
tượng (Abstract Photography) và Nhiếp
ảnh Thẳng thắn (Straight Photography).

Nhiếp
ảnh Như hoạ (Pictorialism Photography)

Khi công cụ nhiếp
ảnh mới Ra đời, chúng hiển nhiên và sớm trở thành một mối rình rập đe dọa tới những họa
sĩ. Nếu quả thực có một công cụ hoàn toàn có thể thay thế cho con người trong việc ‘sao
chép’ lại những hình ảnh từ tự nhiên, thì còn cần gì tới những hoạ sĩ, nhất là
những người dân vẫn theo đuổi hội hoạ có tính tả thực và tính đại diện thay mặt thay mặt cao?

Tất nhiên, lúc ban đầu, nhiếp ảnh còn ở rất xa với mức độ hoàn toàn có thể thay thế được những hoạ sĩ. Trái lại, nó được xem như là một công cụ để tạo ra hình hoàn toàn mang tính chất chất khoa học (còn thô sơ) và không mang tính chất chất nghệ thuật và thẩm mỹ và làm đẹp. Các nghệ sĩ truyền thống cuội nguồn không coi những thành phầm tạo ra từ quy trình nhiếp ảnh có bất kể giá trị nghệ thuật và thẩm mỹ và làm đẹp nào, nữa là “nghệ thuật và thẩm mỹ và làm đẹp cao cấp” (ý chỉ tới nước mỹ thuật là hội hoạ và điêu khắc) – lúc bấy giờ đã đạt tới những đỉnh điểm khó gì vượt qua được về mọi mặt.

Trào lưu nhiếp ảnh Ra đời sớm nhất là Nhiếp ảnh Pictorialism (1885 – 1915), hoàn toàn có thể tạm dịch ra ‘Nhiếp ảnh Như hoạ’ bởi “pictorial” vốn nghĩa là liên quan tới tranh vẽ hoặc việc tạo ra chúng, hay “thuộc về một hoạ sĩ”, và những người dân theo trào lưu này muốn tạo ra những tác phẩm nhiếp ảnh đẹp như tranh vẽ.

Vật lộn (Struggle) (khoảng chừng 1903) của Robert Demachy, Bảo tàng Metropolitan, NY, Mỹ. Đây là một tác phẩm được thực thi bằng kỹ thuật in gôm bichromate, một kỹ thuật phổ cập riêng với những người dân theo Nhiếp ảnh Như hoạ. Họ sẽ dùng gelatin hay gôm/keo ả rập là những chất nhạy sáng và không hoà tan trong nước sau khi phơi sáng, pha với than hoặc hạt màu để quét lên bản in. Do vậy, bản in không những hoàn toàn có thể có màu mà còn tồn tại thể có những hiệu ứng như nét vẽ do nghệ sĩ dùng cọ quét gôm lên, giống phần nền của bức hình phía trên.

Cụ thể hơn, họ sử
dụng phương tiện đi lại và ngôn từ của nhiếp ảnh, và biến nó thành một hình thức nghệ
thuật, đưa nét trẻ trung, sắc độ, và bố cục lên trước việc ghi chép lại một hình ảnh
đúng chuẩn mang tính chất chất khoa học. Tức là họ đưa tính nghệ thuật và thẩm mỹ và làm đẹp vào nhiếp ảnh, muốn
chứng tỏ rằng tác phẩm nhiếp ảnh là tác phẩm nghệ thuật và thẩm mỹ và làm đẹp và là ‘nghệ thuật và thẩm mỹ và làm đẹp cao
cấp’. Họ đó đó là những người dân thứ nhất đưa ra quan điểm rằng nhiếp ảnh cần phải
xếp loại là nghệ thuật và thẩm mỹ và làm đẹp, và họ thao tác này bằng phương pháp tạo ra những tác phẩm đẹp
như và hơn tranh – thử thách trực tiếp với đối thủ cạnh tranh cạnh tranh sớm nhất của tớ là hội hoạ
truyền thống cuội nguồn.

Chủ nghĩa Nhiếp ảnh Như hoạ lấy cảm hứng từ những trào lưu hội họa đương thời, sử dụng phong thái và ý tưởng của chúng vào trong tác phẩm nhiếp ảnh để chứng tỏ sự ngang bằng của nhiếp ảnh với hội hoạ. Cụ thể, những nguồn ảnh hưởng đó đó là chủ nghĩa Sắc độ (Tonalism), chủ nghĩa Ấn tượng, và những tranh sinh hoạt thời Victoria. Các tác phẩm Nhiếp ảnh Như hoạ có nhiều sắc độ, thường mang Xu thế mờ ảo huyền bí chứ không sắc nét.

Linh hồn của cây thông bị nổ tung (Soul of the Blasted Pine) của Anne W. Bringman, Bảo tàng Metropolitan, NY, Mỹ. Đây là một bản in platinum. Trước khi bạc gelatin trở nên thông dụng thì platinum rất được quan tâm. Bạc rẻ hơn và tinh thể bạc tạo nên sắc độ đen nhất trong những chất được thử nghiệm. Tuy nhiên, platinum cho ra nhiều sắc độ phong phú hơn, nhiều độ xám, việc này phù phù thích hợp với tinh thần trọng đa sắc độ của Nhiếp ảnh Như hoạ.

Rodin, Tượng đài Victor Hugo và Người suy tư (Rodin, le Monument à Victor Hugo et Le Penseur) (1900) của Edward Steichen, Viện Nghệ thuật Minneapolis. Tác phẩm được thực thi bằng kỹ thuật in photogravure là một quy trình tương đối phức tạp phối hợp giữa in chìm (intaglio) với in quang hoá giúp tạo ra đĩa in chìm rất chất lượng được cho phép in những tấm hình đa sắc độ và rõ ràng. Trong tấm hình này, Steichen tạo ra một toàn thế giới nơi người bạn của ông – điêu khắc gia nổi tiếng Rodin (trái) – đang đối thoại cùng hai tác phẩm của tớ là Người suy tư (phải) và Tượng đài Victor Hugo (sau).

Về chủ đề và chủ thể, những nghệ sĩ Nhiếp ảnh Như hoạ chuộng việc dàn dựng nội dung của tấm hình bằng phương pháp sắp xếp những người dân mẫu hay thậm chí còn là sử dụng nhiều âm bản để ghép lại với nhau tạo ra hình ảnh ở đầu cuối. Họ thường xuyên khai thác những chủ đề in như hội họa truyền thống cuội nguồn gồm có những cảnh trong thần thoại cổ xưa hay kinh thánh, và những phong cảnh đẹp như trong giấc mơ.

Cây cầu—Trăng lên (The Pond—Moonrise) (1906) của Edward Steichen, Trung tâm Getty. In platinum với màu từ lớp gôm bichromate. Đây là một trong 15 tác phẩm nhiếp ảnh đắt nhất toàn thế giới từng được bán, với giá $2,928,000 năm 2006. Có tổng số 3 phiên bản của tác phẩm này được tạo ra.

Ngày tháng Năm (May Day) (1866) của Julia Margaret Cameron, Bảo tàng Victoria và Albert, London, nước Anh. In albumen (lòng trắng trứng) từ âm bản kính. Bức này đã cho toàn bộ chúng ta biết ảnh hưởng rõ ràng từ bức tranh Người yêu dấu (The Beloved) hay Cô dâu (The Bride) (1865) của hoạ sĩ Tiền Raphael Dante Gabriel Rossetti. Dần tan biến (Fading Away) (1858) – Henry Peach Robinson, BST George Eastman House, NY, Mỹ. Bản in albumen từ âm bản kính. Bức ảnh này dùng tới 5 âm bản ghép lại với nhau. Trang phục white color của cô nàng trẻ đang hấp hối thể hiện sự dần tan biến cũng như tương phản với trang phục của người mẹ, người cha, và phần nền màu tối; khung trời ngoài hiên chạy cửa số hình tượng cho cái chết, cái vô định; bố cục những hình tượng trong tác phẩm; chủ đề cái chết của người trẻ tuổi…: toàn bộ đều là những cách thể hiện mang tính chất chất hội hoạ và chủ đề thịnh hành trong nghệ thuật và thẩm mỹ và làm đẹp đương thời.

Việc dàn dựng nội
dung tác phẩm này cũng làm dấy lên tranh luận về vai trò xã hội của việc dàn dựng
nhiếp ảnh, cạnh bên bàn luận về giá trị nghệ thuật và thẩm mỹ và làm đẹp của nhiếp ảnh, cho tới tận
ngày này – nhất là lúc Photoshop được sử dụng đến mức lạm dụng trong quảng
cáo và truyền thông.

Nhiếp
ảnh trừu tượng (Abstract Photography)

Trào lưu Nhiếp ảnh trừu tượng được cho là bắt nguồn từ khoảng chừng 1910, với những nhân vật quan trọng là những nghệ sĩ tạo hình cấp tiến sử dụng đa ngôn từ vật liệu thời điểm đầu thế kỷ 20 ở cả châu Âu và Mỹ. Đây hoàn toàn có thể xem là một hướng đi rất khác tới mức ngược lại con phố của những người dân theo chủ nghĩa Nhiếp ảnh Như hoạ.

Thay bằng so sánh trực tiếp, tìm cách làm cho giống để vượt qua những tác phẩm hội họa cổ xưa truyền thống cuội nguồn, những nghệ sĩ theo Nhiếp ảnh Trừu tượng khai thác đến tận cùng những tính chất riêng không liên quan gì đến nhau của nhiếp ảnh, tạo ra những tác phẩm nhiếp ảnh trừu tượng theo nhiều cách thức rất khác nhau nhưng chỉ hoàn toàn có thể đạt được với công cụ nhiếp ảnh chứ không tài nào làm được bằng hội hoạ. Đồng thời, những nghệ sĩ này đã và đang đưa nhiếp ảnh nhanh gọn trở thành một phần của những trào lưu avant-garde, của nghệ thuật và thẩm mỹ và làm đẹp Hiện đại, của cái đương thời.

Một quang đồ của László Moholy-Nagy. Moholy-Nagy là người thứ hai sau Johannes Itten phụ trách khoá học nền tảng Vorkurs tại trường Bauhaus. Ông không phải là người duy nhất thử nghiệm và làm tác phẩm bằng kỹ thuật tạo hình ảnh không cần tới máy ảnh, nhưng khái niệm do ông nêu lên – photogram là khái niệm tiếp theo này đã được tiếp nhận như khái niệm chung và đúng chuẩn nhất cho kỹ thuật này.

Một trong những tiến bộ quan trọng của nhiếp ảnh trừu tượng là việc vận dụng kỹ thuật quang đồ (photogram) tức là tạo ra hình ảnh mà không cần tới vật thể. Các nghệ sĩ như Christian Schad, Man Ray, László Moholy-Nagy, và Alvin Langdon Coburn đều tạo ra những tác phẩm bằng phương pháp sắp xếp những vật thể có sẵn hay vật thể tìm thấy (found objects) lên trên giấy tờ nhạy sáng, tạo ra những hình ảnh thích mắt về đồ hoạ và là kết xuất kỳ lạ của môi trường tự nhiên vạn vật thiên nhiên sống đời thường tân tiến. Những vật thể quen thuộc đến tầm thường trở nên trừu tượng trong những tác phẩm này.

Rayograph (Nụ hôn) (1922) của Man Ray. “Rayograph” đó đó là quang đồ, nhưng Theo phong cách đặt tên của Man Ray. Ở đây ông dùng bàn tay và đầu của ông và người tình lúc bấy giờ là Kiki de Montparnasse đặt lên trên giấy tờ ảnh để tạo ra tác phẩm này. Man Ray cũng nổi tiếng bởi những tác phẩm nhiếp ảnh mang sắc tố siêu thực như Violon d’ Ingrès nổi tiếng,hay những tác phẩm được thực thi với kỹ thuật hiệu ứng Sabattier (hòn đảo dương một phần)

Schadograph (1918) của Christian Schad, Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại, NY, Mỹ. Quang đồ trên giấy tờ bạc gelatin printing-out (tức là chỉ làm hiện, không hãm) Vortograph (1916 – 17) của Alvin Langdon Coburn, Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại, NY, Mỹ. In bạc gelatin. Coburn sử dụng những mảnh gương và kính để thực thi những tác phẩm trong sê-ri này.

Các kỹ thuật tương tự vẫn tiếp tục được tăng trưởng và vận dụng bởi những nghệ sĩ cho tận tới ngày này. Họ đưa vào quy trình hoá đồ (chemigram) hay vô hiệu cả vật thể mà chỉ sử dụng mặt phẳng chất nhạy sáng và điều khiển và tinh chỉnh nguồn sáng, sử dụng giấy ảnh màu, hay hoàn toàn có thể là tiếp tục sắp xếp những tác phẩm nhiếp ảnh trong không khí và sử dụng ánh sáng trong không khí ấy…

Construct NYC 1 (1983) của Barbara Kasten. Polaroid. Kasten sắp xếp vật thể và ánh sáng để tạo ra nội dung của tác phẩm.

Three Color Curl (CMY: Irvine, California, August 19th 2008, Fuji Crystal Archive Type C) của Walead Beshty. Đây là một luminogram tức là chỉ dùng giấy ảnh (trong trường hợp này là giấy ảnh màu) và những nguồn sáng (trong trường hợp này là ánh sáng màu lục lam cyan, tím đỏ magenta, và vàng), không còn vật thể, để tạo ra tác phẩm.

Với tinh thần của việc tạo ra những hình ảnh mới và kỳ lạ, biến hóa và phi thường, từ những chủ thể thông thường, mà vẫn thông qua quy trình nhiếp ảnh vốn có tính chất là ghi lại một khách quan hình ảnh của tự nhiên – nhiều nghệ sĩ khác tạo ra tác phẩm nhiếp ảnh trừu tượng mà không sử dụng quy trình quang đồ hay tương tự. Thay vào đó, họ vẫn dùng máy ảnh và tạo ra những hình ảnh với những tầm nhìn không thể ngờ tới, biến hóa chủ thể thành một thứ gì hoàn toàn khác, hoặc hoàn toàn biến mất.

Bóng hiên (The Porch Shadows) (1916) – Paul Strand. In bạc-platinum.

Đẳng lượng (1926), sê-ri Những đẳng lượng (Equivalents) của Alfred Stieglitz, Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại San Francisco, San Francisco, Mỹ. In bạc gelatin. Alfred Stieglitz cũng từng là một trong những người dân đứng vị trí số 1 chủ nghĩa Nhiếp ảnh Như hoạ tại Mỹ trước lúc thử nghiệm những chủ đề và cách thể hiện avant-garde hơn. Ông nổi tiếng hơn hết với vai trò mày mò, dẫn dắt và tiếp thị những nghệ sĩ trẻ đương thời tại Mỹ, trong số đó có gồm có Edward Steichen và vợ của Stieglitz là Georgia O’ Keeffe. Nhóm của Stieglitz (Stieglitz Circle), không bàn cãi gì, là hình tượng của Nghệ thuật Hiện đại Mỹ thời điểm đầu thế kỷ 20.

Jerome, Arizona (1949) – Aaron Siskind. Bảo tàng Nghệ thuật Nelson-Atkins, Missouri, Mỹ. In bạc gelatine.

Nhiếp ảnh trừu tượng, cũng như hội hoạ trừu tượng hay nghệ thuật và thẩm mỹ và làm đẹp trừu tượng nói chung, không áp đặt một thông điệp nào mà thay vào đó đưa ra những gợi ý, khơi gợi ở người xem cảm xúc và tâm ý phong phú – in như âm nhạc không lời. Tuy nhiên, cái kỳ thú của nhiếp ảnh trừu tượng mà khác hoàn toàn hội hoạ trừu tượng là vật thể rõ ràng luôn luôn được sử dụng tới, dù chúng được đặt thẳng lên mặt phẳng cảm quang hay được chụp lại bằng máy ảnh. Chỉ có nhiếp ảnh mới làm được việc đúng nghĩa đen là biến một vật rõ ràng thành trừu tượng.

Đồng thời nó cũng là một thử thách với những người thực hành thực tiễn: làm thế nào để thực sự biến được vật rõ ràng thành trừu tượng? Làm thế nào để tạo ra giá trị nghệ thuật và thẩm mỹ và làm đẹp cho một tấm hình chụp một mảng tường?

(Còn tiếp)

Bài viết: Hương Mi Lê

Về chủ mục

Lê Hương Mi (Hương Mi Lê) | mi-mimi

Sinh năm 1991 tại Tp Hà Nội Thủ Đô, hiện Mi là giảng viên môn Lịch sử Thiết kế Đồ họa và môn Typography tại Học viện Nghệ thuật & Thiết kế Monster Lab, là dịch giả, sửa đổi và biên tập sách và nhà quản trị và vận hành dự án công trình bất Động sản nghệ thuật và thẩm mỹ và làm đẹp tự do. Mi thao tác với những cty như Thái Hà Books, Noirfoto Darkroom-Studio-Gallery, viện Nghiên cứu Hán-Nôm, VCCA… Bên cạnh đó, Mi cũng là một nhà thơ và một nghệ sĩ thị giác, hoạt động và sinh hoạt giải trí dưới tên thường gọi mi-mimi.

Mi từng theo học Thiết kế Truyền thông tại Học viện Nghệ thuật Thị giác, Frankfurt, Đức và Nhân học tại Đại học Khoa học Xã hội & Nhân văn, Tp Hà Nội Thủ Đô, Việt Nam.

Một số sự kiện nghệ thuật và thẩm mỹ và làm đẹp mà Mi từng tham gia với tư cách nghệ sĩ: Animal Theater 2022 – Á Space (Tp Hà Nội Thủ Đô), Poetry Plus – Performance Plus 2022 – Mot+++ (TP Hồ Chí Minh), Khi Đàn Chim Trở Về / When the Birds Fly trang chủ – Triển lãm Nhiếp ảnh và Kể chuyện, đồng sáng tác – Bảo tàng Phụ Nữ (2022, Tp Hà Nội Thủ Đô).

Reply
5
0
Chia sẻ

Video Bức ảnh thứ nhất trên toàn thế giới được Viện hạn làm khoa học Pháp công nhận ngày 19 8 1839 mang tên là ?

Bạn vừa tìm hiểu thêm Post Với Một số hướng dẫn một cách rõ ràng hơn về Review Bức ảnh thứ nhất trên toàn thế giới được Viện hạn làm khoa học Pháp công nhận ngày 19 8 1839 mang tên là tiên tiến và phát triển nhất

Chia Sẻ Link Tải Bức ảnh thứ nhất trên toàn thế giới được Viện hạn làm khoa học Pháp công nhận ngày 19 8 1839 mang tên là miễn phí

Pro đang tìm một số trong những Chia SẻLink Download Bức ảnh thứ nhất trên toàn thế giới được Viện hạn làm khoa học Pháp công nhận ngày 19 8 1839 mang tên là Free.

Giải đáp vướng mắc về Bức ảnh thứ nhất trên toàn thế giới được Viện hạn làm khoa học Pháp công nhận ngày 19 8 1839 mang tên là

Nếu Pro sau khi đọc nội dung bài viết Bức ảnh thứ nhất trên toàn thế giới được Viện hạn làm khoa học Pháp công nhận ngày 19 8 1839 mang tên là , bạn vẫn chưa hiểu thì hoàn toàn có thể lại Comments ở cuối bài để Ad lý giải và hướng dẫn lại nha
#Bức #ảnh #đầu #tiên #trên #thế #giới #được #Viện #hạn #làm #khoa #học #Pháp #công #nhận #ngày #có #tên #là